Kategorie: Swing

Rock ’n‘ Roll ist ein paarweise getanzter akrobatischer Schau- und Turniertanz mit Ursprung in den Vereinigten Staaten.

Obwohl Rock ’n‘ Roll in den Vereinigten Staaten entstanden ist, ist er heute überwiegend in Europa anzutreffen. Die körperlichen Anforderungen des Rock ’n‘ Roll sind mit der Zeit so hoch geworden, dass der ursprüngliche Gesellschaftstanz der Jugendlichen heute nur noch bei Schaudarbietungen und auf Turnieren getanzt wird. Rock ’n‘ Roll ist zwar Bestandteil des Welttanzprogramms, wird aber nur selten und in vereinfachter Form in Tanzschulen vermittelt; der moderne Turnier-Rock-’n‘-Roll wird ausschließlich in Tanzsportvereinen gelehrt.

Parallel zur Musikrichtung Rock ’n‘ Roll haben sich die dazu passenden Tänze entwickelt. Aus dem um 1920 entstandenen Swing entwickelte sich in den USA sehr früh der Lindy Hop, der erstmals akrobatische Elemente in einen Paartanz einfließen ließ. Dieser wiederum erfuhr um 1940 eine Abwandlung zum Boogie-Woogie, der auf deutlich schnellerer Musik basierte. Mit dem Aufkommen der Rock-’n‘-Roll-Musik um 1955 wurde schließlich aus dem Boogie-Woogie von der protestgesteuerten Jugendbewegung der Rock ’n‘ Roll erschaffen.

Rock ’n‘ Roll ist ein fröhlicher, schneller und sportlicher Tanz, der stark zuschauerorientiert ist. Er ist geprägt von hoher Präzision der Bewegungen bei hohem Tempo und der flüssigen Kombination von Tanz und spektakulärer Akrobatik, welche teilweise mit den Ängsten des Zuschauers spielt.

Rock ’n‘ Roll wird auf Musik im 4/4-Takt getanzt, die typischerweise einen deutlichen Offbeat aufweist. Im Gegensatz zum Offbeat der Musik wird der Tanz auf den Schlägen 1 und 3 betont. Die Musik ist mit 44 bis 52 TPM sehr schnell. Heute wird nur noch selten auf echte Rock-’n‘-Roll-Stücke getanzt, stattdessen hört man auf Turnieren vor allem moderne Disco- und Popmusik.

Charakteristisch für den Rock ’n‘ Roll sind der gesprungene Grundschritt mit Kicks und Kick-Ball-Change und die Akrobatiken. Rock ’n‘ Roll wird geradlinig getanzt, Kicks und Armbewegungen stehen in einem klar erkennbaren, regelmäßigen Winkel zueinander. Die Tänzer tanzen fast ausschließlich auf den Fußballen, mit Ausnahme der Akrobatiken, bei denen der Herr einen festen, breitbeinigen Stand einnimmt. Bewegungen werden typischerweise schnell und zackig ausgeführt, Arme und Beine sind in gleichem Maße beteiligt.

Rock ’n‘ Roll übernimmt häufig Elemente aus anderen Tänzen, besonders aus Aerobic, aus Jazz Dance oder aus den lateinamerikanischen Tänzen. Allgemein ist, abgesehen von der Grundtechnik, die Gestaltungsfreiheit der Paare im Rock ’n‘ Roll recht groß, so dass verschiedene Paare oft deutlich unterschiedliche Stile tanzen.

Man unterscheidet beim Rock ’n‘ Roll zwei Grundschritte, die nach der Anzahl der Bodenberührungen benannt sind. Der ursprüngliche 6er-Grundschritt weist noch starke Ähnlichkeiten zum Grundschritt des Lindy Hop auf und wird heute nur noch in Tanzschulen gelehrt, um Anfänger langsam an den Tanz heranzuführen. Der technisch anspruchsvolle 9er-Grundschritt ist die Grundlage des modernen Turniertanzes und zeichnet sich nicht nur durch das Kick-Ball-Change, sondern auch durch eine präzisere Kick-Technik aus.

Rock-’n‘-Roll-Kicks werden in einer vierphasigen Bewegung ausgeführt: Das Bein wird zunächst hochgezogen, dann waagrecht ausgekickt, wieder zurückgezogen und abgesetzt. Gleichzeitig hüpft der Tänzer locker auf dem anderen Fußballen, der den Boden beim Auskicken und kurz vor dem Absetzen des kickenden Beins berührt; pro Kick ergeben sich somit drei Bodenberührungen.

Der Kick-Ball-Change ist ein abgewandelter Kick, der mit einer Laufbewegung verbunden ist: Kurz bevor das kickende Bein beim Absetzen den Boden berührt, wird das andere Knie hochgezogen, so dass sich die Reihenfolge der Bodenberührungen umdreht. Der Kick-Ball-Change ermöglicht es, größere Wege zurückzulegen, ohne die Folge der Kicks zu unterbrechen.

Der Einsteiger ist eine sportliche Variante der Räuberleiter: Der Herr steht tief in den Knien und formt mit beiden Händen ein Trittbrett, auf das die Dame aufspringt. Der Schwung des Einspringens wird ausgenutzt, um die Dame mehrere Meter in die Luft zu katapultieren, wo sie beispielsweise einen Salto ausführen kann.

In der Anfangszeit des Rock ’n‘ Roll galten Petticoat und Jeans als stilechte Bekleidung. Für den heutigen Tanzstil ist diese Kleidung jedoch zu schwer und schränkt die Bewegungsmöglichkeiten zu sehr ein. Rock ’n‘ Roll wird auf Turnieren in ein- oder zweiteiligen anzugförmigen Kostümen aus elastischen Kunstfasern getanzt, die oft in grellbunten Farben gehalten und mit glitzernden Strasssteinen geschmückt sind. Die Kleidungsstoffe sind dehnbar und reißfest, denn sie werden insbesondere bei Wickelfiguren erheblichen Belastungen ausgesetzt, zudem sind sie glatt und rutschig, um Verkantungen und Reibungsverletzungen bei Akrobatiken wie dem Todessturz vorzubeugen. Die Kostüme werden meist für jedes Paar individuell nach Maß angefertigt.

Das Schuhwerk muss guten Halt und Schutz vor Verletzungen durch Umknicken bieten, gleichzeitig leicht sein und dem Fuß Bewegungsfreiheit gewähren. Daher nutzen die meisten Rock-’n‘-Roll-Tänzer heute spezielle Rock-’n‘-Roll-Schuhe oder Aerobicschuhe. Tänzerinnen wählen häufig leichte, schwarze Turnschuhe, die mit ihrer gedämpften Gummisohle den Abwärtsschwung nach Freiluftakrobatiken rückenschonender abfangen.

• Entstehung: 1955
• Entstehungsort: USA
• Takt: 4/4
• Geschwindigkeit: 25-52 Takte pro Minute
• Welttanzprogramm: Nein

Quellen:

• Dieser Artikel basiert auf dem Artikel: Lindy Hop aus der freien Enzyklopädie Wikipedia und steht unter der GFDL
• Weitere kleinere Quellen aus dem Internet
  

Blues als Tanz gehört zum Jazz Dance und zum Lindy Hop und teilt mit ihnen den afrikanischen Ursprung. Aber im Blues Dance wird weniger Betonung darauf gelegt, die Bewegungen auf den Zählschlag genau zu beginnen. Walking (Gehen) ist der Grundschritt. Die Tänzer können auf der Stelle gehen oder in jede Richtung. Blues als Gesellschafts- oder Showtanz war nie sehr weit verbreitet in den USA. Stattdessen wurde er in verräucherten Musikbars und bei Blues-Haus-Partys getanzt und hatte einen mehr privaten Charakter. Daher blieb der Tanz strenger an die Bewegungsformen des afrikanischen Tanzes gebunden, nicht nur in der Bewegung der Hüften, sondern auch darin, dass er innerhalb eines deutlich begrenzten Raumes stattfindet.

Außerdem gehören Blues Dance und Blues-Musik eng zusammen. Viele Aspekte des Tanzes beziehen sich direkt auf die Musik, zu der getanzt wird, z. B. Ruf und Antwort, emotionale Intensität, Spannung und Lösung. Es gibt viele Arten von Blues-Musik (ländliche, städtische, schnelle, langsame, elektrisierende, moderne) und ebenso viele Arten von Blues Dance, alle sehr unterschiedlich in den Nuancen und im Gefühlsausdruck.

Wer den modernen langsamen Blues Dance nur durch Beobachtung studiert, übersieht leicht die Feinheiten des Tanzes, die er über die erotische Seite hinaus hat, weil die sinnlichen Aspekte die Grundstruktur überdecken können. Die beste Art, Blues zu tanzen, besteht in subtiler körperlicher Kommunikation beim Engtanzen mit dem Partner und kann durch bloßes Zuschauen unmöglich richtig und gut gelernt werden.

Blues Dance ermöglicht ausgesprochene Individualität in der Art, die Musik im Tanz auszudrücken, wobei die Betonung darauf liegt, dass die Musik den Tanz bestimmt, nicht der Tänzer, der nur der Interpret der Musik ist. Blues Dance zeigt den ganzen Reichtum der menschlichen Gefühlswelt – von der Trauer bis zur Freude – auf leidenschaftliche Art und Weise, nicht nur Sinnlichkeit. Wer nicht instinktiv auf die Musik, den Partner und die Umgebung reagiert, der gelangt nicht zur wahren Schönheit dieses Tanzes.

Blues tanzen zu lernen, hilft dem Tänzer, Tanzkonzepte wie Einfachheit, Klarheit, Kreativität, Ausdruckskraft, Intensität, musikalische und emotionale Interpretation, wie sie zu allen anspruchsvollen Gesellschaftstänzen gehören, besser zu verstehen.

• Entstehung: 20. Jahrhundert
• Entstehungsort: Afrika/USA
• Takt: 4/4
• Geschwindigkeit: 15-22 Takte pro Minute
• Welttanzprogramm: Nein

Typische Lieder für den Blues
Name	Interpret
All By Myself	Celine Dion
Blueberry Hill	Fats Domino
April Love	Pat Boone
Bright Eyes	Art Garfunkel

Weitere Lieder, auf die man Blues tanzen kann, finden Sie in der Tanzdatenbank .

Quellen:

• Dieser Artikel basiert auf dem Artikel: Blues aus der freien Enzyklopädie Wikipedia und steht unter der GFDL
• Meine Tanzlehrer
• Weitere kleinere Quellen aus dem Internet

Die Swingtänze haben ihren Ursprung in den 1920er-Jahren, als das große Charleston-Fieber in den USA ausbrach. Die Swingmusik unterlag wie kaum ein anderer Musikstil einem Wandel der Zeit, der bis heute anhält. Denken Sie doch nur einmal an Robbie Williams.

Das Charakteristische an allen Swingtänzen ist das sogenannte Bouncen zur Musik. Aber auch Breaks und Jumps sind nicht selten. Genaueres finden Sie in den Beschreibungen der einzelnen Tänze.

Der Boogie ist wohl der faszinierendste Tanz von allen durch seine Offenheit in den Schrittfolgen, die swingende Musik, die vielen Grundschritte und so manches mehr. Ja, ihr habt richtig gelesen, es gibt im Boogie nicht nur den einen Grundschritt wie in den anderen Tänzen.

Es gibt allein schon drei Basisvarianten, wobei dann ein Vierer-, ein Sechser- oder sogar ein Achterschritt dabei herauskommt. Von diesen Grundschritten gibt es dann noch Variationen.

„Ihr könnt aber toll Rock 'n' Roll tanzen!“ – Welche(r) Boogie-Woogie-Tänzer(in) ist beim Tanzen in der Disco nicht schon mindestens einmal über diese Beifallsbekundung begeisterter Zuschauer 'gestolpert'? Die Richtigstellung, es handle sich gar nicht um Rock 'n' Roll, sondern um Boogie-Woogie, ruft bei den Discofreaks meist nur ein verdutztes „Ach so?!“ hervor.

Tatsächlich handelt es sich beim Boogie-Woogie um einen Vorläufer des Rock 'n' Roll. Beide Tänze haben sozusagen einen gemeinsamen „Großvater“, den Swing. Dessen Wurzeln liegen in den Musikkneipen der US-amerikanischen Schwarzenghettos Ende der 20er-Jahre.

In einem dieser Etablissements, dem „New York Savoy Ballroom“ im Herzen Harlems, wurde mit dem Swing erstmalig ein Paartanz kreiert, der nicht auf vorgeschriebenen Schrittfolgen basierte, sondern allein von der Improvisation der Tänzer und Tänzerinnen lebte. Der Tanz schien geradezu revolutionär: (Fast) alles war erlaubt – Hauptsache, die Paare bewegten sich im Takt der Musik. So konnte sich beim Swingtanz die spielerische Bewegungsphantasie der Schwarzen mit typisch weißen Tanzelementen vermischen.

Nur wenig später erfuhr der Swing eine Abwandlung in Form des Lindy Hop. Der Name war gut gewählt, denn genau wie beim Jahrhundertflug des amerikanischen Flugpioniers Charles Lindbergh flogen beim Lindy Hop die Damen durch die Luft, wurden von ihren Tanzpartnern über den Kopf geworfen und um die Hüften gewickelt. Nicht zuletzt durch die Darstellung der verrückten Tanzfiguren und -szenen in Filmen der Marx Brothers oder dem Kultfilm „Im Himmel ist die Hölle los“ erfuhr der Lindy Hop einen enormen Bekanntheitsgrad, der in der heutigen Zeit sogar eine Renaissance erlebt. Zahlreiche deutsche Lindy-Paare treffen sich regelmäßig mit Gleichgesinnten aus anderen Ländern zu Meisterschaften, Tanzveranstaltungen und -seminaren.

Eine weitere – wenn auch nicht ganz so bekannte – Swing-Variation nannte sich Jitterbug. Den Namen soll der schwarze Musiker Cab Calloway erfunden haben. Er verglich die sich nach seiner Musik wild gebärdenden Tanzpaare mit „Zitterkäfern“.

In Deutschland wurde die Swingmusik erstmals in den 30er-Jahren bekannt. Von den Nationalsozialisten verpönt, waren die „exotisch-abartige“ Musik und der Tanz von tanzwütigen jungen Pärchen Mitte der 30er-Jahre und in den 40er-Jahren als willkommene Abwechslung zum gleichmachenden Marschrhythmus. Der Mitte der 90er-Jahre produzierte Kinofilm „Swing Kids“ zeigt auf eindrucksvolle Weise, wie die Machthaber die Verbindung aus Jugendprotest und purem Spaß am Tanzen als undeutsches Element zu unterdrücken versuchten.

Nach dem Untergang des „Tausendjährigen Reiches“ schwappte dann die Swingmusik, vorgetragen von riesigen Bigbands, unaufhaltsam über den Großen Teich. Und mit der Musik kam ein ganz neuer Tanz – der Boogie-Woogie.

Diesmal handelte es sich jedoch nicht nur um eine reine Namensänderung des Swingtanzes – die Swingmusik selbst hatte eine Veränderung erfahren. Der gute alte Blues war in Amerika neu überarbeitet worden, mit einer fließenden Pianospielweise, aufgebaut auf der Bassbegleitung der linken Hand.

Das spiegelte sich auch im Tanzstil wider: Obwohl der Boogie-Woogie im Prinzip so getanzt wurde wie der Swing, kamen die Paare nicht ins Schaukeln. Dazu war bei der schnellen Musik gar keine Zeit. Rasend schnelle Füße, allein aus der Hüfte getanzt – genau das richtige Mittel, um im zerstörten Deutschland einer aufgestauten Amüsierwut Platz zu schaffen, alles Bedrückende abzustoßen. Der Boogie-Rhythmus, viel schneller als zuvor beim Swing, war wie ein Rausch, der oft bis zur körperlichen Erschöpfung ausgelebt, getanzt wurde.

In den 50er-Jahren stellte sich allmählich wieder ein Leben in geordneten Bahnen ein. Viele Jugendliche empfanden das Bemühen ihrer Eltern, eine heile Nachkriegswelt aufzubauen, als bieder – ja verabscheuungswürdig. Da war der aus den Vereinigten Staaten kommende Rock 'n' Roll mit seinen heißen Texten, der fetzig-hämmernden Musik, dem wilden Tanz und dem extravagant-modischen Outfit genau das richtige Mittel, bestehende Konventionen umzustoßen. Man hörte, tanzte und – man lebte Rock 'n' Roll.

Berlin war unumschränkte Hochburg. Von 1950 bis 1958 wurden alle deutschen Meisterschaften im Boogie-Woogie und Rock 'n' Roll in unserer Stadt ausgetragen. Berliner Tänzer wie Horst Todt, deutscher Meister 1950 und 1951, und Kalle Gaffkus, der einzige deutsche Rock-'n'-Roll-Weltmeister der 50er-Jahre und vierfacher deutscher Meister (1953-56), setzten Akzente.

In unserer heutigen Zeit hat sich der Rock 'n' Roll zu einem reinen Turnhallen- und Turniersport entwickelt, der nur noch den Namen mit dem einstigen wilden Tanz und dem Flair der 50er-Jahre gemein hat. Bei den Turnieren – einer Mischung aus Jazz Dance und Akrobatik – hört man Disco-Musik, die sich für die hüfthohen Fußkicks besonders gut eignet. Nur wenige der im poppigen Aerobic-Outfit gekleideten Paare sind über 30 – ältere könnten bei diesem auf absolute Höchstleistungen ausgerichteten Akrobatiksport kaum mithalten.

Doch auch der Boogie-Woogie-Tanz ist moderner geworden. Heute erinnert sein 8er-Grundschritt mehr an den Rock 'n' Roll der 50er-Jahre als an den super-schnellen Boogie der späten 40er. Statt nach typischer Pianomusik tanzt man hier auch schon mal nach „Rock around the Clock“ und anderen Rock-'n'-Roll-Oldies. Zu Turnieren erscheinen die Paare meist in Petticoats, Sakkos und Hosenträgern, bei einschlägigen Freizeit-Tanzveranstaltungen wird in normaler Straßenkleidung gerockt.

Dabei fließen heute immer mehr Swingelemente in den Boogietanz ein – eine Entwicklung, die sich auch am veränderten Musikgeschmack der Tänzerinnen und Tänzer ablesen lässt. So treffen sich die Berliner Boogie- und Swingtanzpaare regelmäßig freitags im „Swingin' Ballroom“ des Grünen Salons, wo sie zu Livebands wie Jive Sharks, Jumpin' Jackets oder Boogie Radio Orchestra den Tanzboden erzittern lassen. In München, der Hochburg des Boogie-Woogie, geht's vor allem beim sonntäglichen „Abtanzen“ im Max'l (Max-Emanuel-Brauerei in der Schwabinger Adalbertstraße, ab 20.00 Uhr) so richtig rund.

Es ist also nicht verwunderlich – um auf die Anfangsbemerkung dieses Textes zurückzukommen -, dass der eine oder andere im Boogie-Woogie den guten alten Rock 'n' Roll wiederzuerkennen glaubt. Schließlich steht auch beim heutigen Boogie-Woogie – neben dem Spaß am Tanzen – die Freude an der Musik der 40er- und 50er-Jahre im Mittelpunkt.

Die Turnierregeln beim Boogie-Woogie sind von Land zu Land unterschiedlich. Es gibt ausgewählte internationale Musik-CDs des WRRCs, die meistens bei den Turnieren verwendet werden. International gibt es, wie schon oben genannt, 3 Klassen, die jeweils (mindestens) eine schnelle und eine langsame Runde tanzen müssen (ausgenommen die Juniorenklasse; in dieser Klasse werden auf internationalen Turnieren – auch in Deutschland – keine langsamen Runden getanzt).

Auszug aus den wichtigsten Regeln:

• Die langsame Runde wird zu einer Musikgeschwindigkeit von 30-32 Takten getanzt.
• In der schnellen Runde tanzen Junioren und Senioren zu einem Tempo von 50 Takten, und die Allgemeine Klasse tanzt zu einem Tempo von 52 Takten.
• Die durchschnittliche Tanzzeit beträgt international ca. 2 Minuten.
• Es gibt noch Vor- und Hoffnungsrunden, um sich für das Finale zu qualifizieren.
• Die langsame Runde wird ausschließlich von Finalpaaren der Main bzw. Seniorclass getanzt.
• Es kommen maximal 7 Paare ins Finale.
• Im Finale tanzt jedes Paar allein.
• In den Vor-, Zwischen- und Hoffnungsrunden können mehrere Paare gleichzeitig tanzen (Paarungen werden ausgelost).
• Es gibt 5-7 Wertungsrichter, die die Leistungen der Turnierpaare bewerten.
• Im Finale (international) werden aus 4 Titeln die Musikstücke den Paaren zugelost. In den Vor-, Zwischen- und Hoffnungsrunden wird die Musik mittels Zufallsgenerators ausgesucht.
• Man bewertet: Interpretation, Fußtechnik und Figuren.
• Man sollte sich im Stil der 1950er-Jahre kleiden. (Anmerkung: Wunschtraum und weder in Deutschland noch international vorgeschrieben)
• Es ist nicht erlaubt, Kleidungstücke bewusst wegzuwerfen.
• Jedem Paar muss im Finale mindestens eine Tanzfläche von 3×3 Metern zustehen.

Alle diese Regeln beziehen sich auf internationale Turniere des WRRCs.

Typische Lieder für den Boogie-Woogie
Name	Interpret
(Let Me Be Your) Teddy Bear	Elvis Presley
As Long As I'm Moving	Ruth Brown
Shake Rattle And Roll	Bill Haley
Who Put The B In The Boogie	The Big Six
A Wonderful Time Up There	Pat Boone
A Teenager In Love	Dion And The Belmonts
Wenn Du Musikalisch Bist	Gitte
Sugar Baby	Peter Kraus

• Entstehung: ~1930
• Entstehungsort: USA
• Takt: 4/4
• Geschwindigkeit: 25-60+ Takte pro Minute
• Grundschrittlänge: 6 Schläge
• Welttanzprogramm: Nein

Quellen:

• Dieser Artikel basiert auf dem Artikel: Boogie-Woogie aus der freien Enzyklopädie Wikipedia und steht unter der GFDL
• Meine Tanzlehrer
• Weitere kleinere Quellen aus dem Internet
  

Wer beim Namen Jitterbug an schnelle Füße, fliegende Röcke und ausgelassene Paare denkt, liegt schon ziemlich richtig. Trotzdem ist Jitterbug nicht ganz so leicht einzuordnen wie Walzer oder Cha-Cha-Cha. Der Begriff bezeichnete vor allem in den 1930er- und 1940er-Jahren eine ganze Familie lebhafter Swingtänze. Häufig war damit der Lindy Hop gemeint, je nach Zeit und Ort konnten aber auch Elemente aus Charleston, Shag, Balboa oder später dem Jive dazugehören.

Die Wurzeln liegen in der afroamerikanischen Tanz- und Musikkultur der USA. In den Tanzsälen und Juke Joints entwickelten Tänzerinnen und Tänzer zu Jazz und Swing immer neue Schritte. Eine besondere Rolle spielte der Savoy Ballroom in Harlem. Dort trafen unterschiedliche Tanzstile aufeinander, und dort wurde der Lindy Hop zu einer der großen Attraktionen der Swingära. Namen wie George „Shorty“ Snowden, Frankie Manning und die Whitey’s Lindy Hoppers sind mit dieser Entwicklung eng verbunden.

Der Name klingt fast so lebhaft wie der Tanz. Das englische Wort „jitter“ lässt sich ungefähr mit Zittern, Nervosität oder Unruhe übersetzen, während „bug“ unter anderem Käfer bedeutet. Ein Jitterbug wäre demnach sinngemäß ein „Zitterkäfer“. Der Bandleader Cab Calloway machte den Ausdruck Mitte der 1930er-Jahre mit dem Lied „Call of the Jitter Bug“ und seinen Bühnenauftritten weithin bekannt. Dass er den Namen tatsächlich erfunden hat, lässt sich allerdings nicht sicher belegen.

Was macht den Jitterbug nun aus? Vor allem die federnde Bewegung, das spielerische Führen und Folgen und die Freiheit, spontan auf die Musik zu reagieren. Die Paare tanzen meist in offener oder halb offener Haltung, wechseln aber immer wieder in eine geschlossene Position. Drehungen, Platzwechsel, Kicks und Break-Aways, bei denen sich beide voneinander lösen und eigene Schritte zeigen, gehören zum typischen Bild. Der Oberkörper bleibt dabei vergleichsweise locker, während Füße und Beine oft erstaunlich schnell arbeiten.

Einen einzigen verbindlichen Grundschritt gibt es nicht. Manche Formen werden über sechs Schläge getanzt, andere über acht. Das ist kein Fehler, sondern gehört zur Geschichte des Jitterbugs. Als Sammelbegriff nahm er unterschiedliche regionale und tänzerische Varianten auf. Wer Lindy Hop tanzt, erkennt deshalb viele Bewegungen wieder; wer Jive oder Boogie-Woogie gewohnt ist, findet ebenfalls schnell vertraute Elemente.

Besonders spektakulär sind die akrobatischen Figuren, die man aus alten Filmaufnahmen kennt. Bei sogenannten Aerials wird ein Partner gehoben, geworfen oder über Hüfte und Rücken geführt. Solche Figuren wurden vor allem von Showgruppen wie Whitey’s Lindy Hoppers berühmt gemacht. Auf einer normalen Tanzfläche gehören sie jedoch nicht zum Pflichtprogramm. Dort lebt der Jitterbug viel mehr von Rhythmus, Improvisation und dem sichtbaren Vergnügen beider Tanzpartner. Akrobatik sollte nur trainiert und mit ausreichend Platz getanzt werden.

Getanzt wird im 4/4-Takt zu Swing, Jive oder Jump Blues. Der Rhythmus ist deutlich synkopiert und lädt geradezu dazu ein, mit der Musik zu spielen. Je schneller das Stück wird, desto kleiner und ökonomischer müssen die Schritte werden. Wer versucht, jeden Schritt besonders groß zu setzen, ist bei einem schnellen Big-Band-Stück ziemlich bald außer Atem. Gute Jitterbug-Tänzer wirken deshalb nicht hektisch, obwohl unter ihnen der Tanzboden bebt.

Während des Zweiten Weltkriegs brachten amerikanische Soldaten den Jitterbug nach Großbritannien, Frankreich und in andere Teile Europas. Die freie, ausgelassene Art des Tanzens wirkte dort zunächst ungewohnt und manchmal sogar anstößig. Gerade das machte ihn für viele junge Leute interessant. Aus den amerikanischen Swingtänzen entwickelten sich in Europa später eigene Formen, darunter der Boogie-Woogie und der sportlichere Jive.

Heute wird der Ausdruck Jitterbug nicht überall gleich verwendet. In historischen Zusammenhängen meint er häufig den ausgelassenen Swingtanz der 1930er- und 1940er-Jahre oder ganz allgemein das Swingtanzen. Einige Tanzschulen verwenden den Namen dagegen für einen vereinfachten Sechser-Grundschritt. Wer auf einer Tanzveranstaltung „Jitterbug“ hört, sollte daher nicht zu sehr über die genaue Schublade nachdenken. Entscheidend sind die Swingmusik, die Verbindung im Paar und der Spaß an der Improvisation.

• Entstehung: Ende der 1920er- und in den 1930er-Jahren
• Entstehungsort: USA, besonders die afroamerikanische Swingkultur
• Takt: 4/4
• Geschwindigkeit: meist etwa 30–50 Takte pro Minute
• Grundschrittlänge: je nach Variante 6 oder 8 Schläge
• Welttanzprogramm: Nein

 

Typische Lieder für den Jitterbug
Name	Interpret
Call of the Jitter Bug	Cab Calloway
Jumpin’ at the Woodside	Count Basie
Sing, Sing, Sing	Benny Goodman
A-Tisket, A-Tasket	Ella Fitzgerald mit Chick Webb
Jump, Jive an’ Wail	Louis Prima

 

Quellen:

• Encyclopaedia Britannica: Jitterbug
• Merriam-Webster Dictionary: Jitterbug
• Frankie Manning und Cynthia R. Millman: Frankie Manning: Ambassador of Lindy Hop, Temple University Press, 2007
• Marshall und Jean Stearns: Jazz Dance: The Story of American Vernacular Dance, Macmillan, 1968

Der Shag war ein Modetanz in den 1930er- und 1940er-Jahren, der meist ebenso wie der Balboa auf schnellere Musik getanzt wurde. Zunächst entwickelte sich aus dem Lindy Hop auch der Lindy-Shag. Als „Collegiate Shag“ entstand der Tanz in den 1920er-Jahren in New Orleans durch junge Tänzer im College-Alter, die ihn zu Ragtime-Jazz tanzten.

Seine Kennzeichen waren kleine, schnelle Schritte und eine enge Körperhaltung. Er wurde von den Paaren zu flotter Swingmusik praktiziert. In teilweise sehr enger Paartanzhaltung konnte man dabei, ausgehend vom Grundschritt: step- hop- step-hop -run- run, auch volle Tanzflächen besuchen. Besonders beliebt war der Tanz bei Jugendlichen, die dann oft spiegelverkehrt (mirror-moves) zu 120 Takten pro Minute (bpm) die gleichen Schritte ausführten.

Im Süden der USA galt der Shag, der auch unter den Namen

Carolina Shag (eher verswingt) und
St. Louis Shag (sehr schnell) sowie
Kansas-City-Shag
bekannt wurde, als der Swingtanz schlechthin. Auch der Prep Step ist eine Shag-Variante. Der Arthur Murray Shag ist allerdings eher ein Teil des East Coast Swing und kam Mitte der 1950er-Jahre in Mode und hat nichts mit den Shags der dreißiger Jahre gemein.

Der Shag war ein Modetanz in den 1930er- und 1940er-Jahren, der meist ebenso wie der Balboa auf schnellere Musik getanzt wurde. Zunächst entwickelte sich aus dem Lindy Hop auch der Lindy-Shag. Als „Collegiate Shag“ entstand der Tanz in den 1920er-Jahren in New Orleans durch junge Tänzer im College-Alter, die ihn zu Ragtime-Jazz tanzten.

Seine Kennzeichen waren kleine, schnelle Schritte und eine enge Körperhaltung. Er wurde von den Paaren zu flotter Swingmusik praktiziert. In teilweise sehr enger Paartanzhaltung konnte man dabei, ausgehend vom Grundschritt: step- hop- step-hop -run- run, auch volle Tanzflächen besuchen. Besonders beliebt war der Tanz bei Jugendlichen, die dann oft spiegelverkehrt (mirror-moves) zu 120 Takten pro Minute (bpm) die gleichen Schritte ausführten.

Im Süden der USA galt der Shag, der auch unter den Namen

Carolina Shag (eher verswingt) und
St. Louis Shag (sehr schnell) sowie
Kansas-City-Shag
bekannt wurde, als der Swingtanz schlechthin. Auch der Prep Step ist eine Shag-Variante. Der Arthur Murray Shag ist allerdings eher ein Teil des East Coast Swing und kam Mitte der 1950er-Jahre in Mode und hat nichts mit den Shags der dreißiger Jahre gemein.

Quellen:

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• Meine Tanzlehrer
• Weitere kleinere Quellen aus dem Internet

Der Name Lindy Hop soll von Shorty George kommen. Als Shorty George Snowden während eines Tanzmarathons von einem Journalisten gefragt wurde, was er da eigentlich tanze, griff der erschöpfte Shorty einfach auf die aktuelle Zeitungsschlagzeile zurück: „Lindy Hops the Atlantic“.

Lindy Hop ist ein Tanzstil, den Charleston, Break-Away, Step-Tanz, andere Jazz-Tänze, traditionelle westafrikanische, aber auch europäische Tänze prägten. Als Gesellschaftstanz wird er vor allem zu zweit getanzt, wobei der Spaß an der Harmonie, dem Austausch von Bewegungsideen während des Tanzes und an der Musikinterpretation im Vordergrund steht.

Der Tanz entstand in den 1920er-Jahren in den großen Ballsälen New Yorks zur Musik der Big Bands, die die Jazzmusik zur orchestralen Swing-Tanzmusik weiterentwickelten. Eine besondere Bedeutung kommt dem größten, dem Savoy Ballroom in Harlem zu. Er war für alle Bevölkerungsschichten und Hautfarben offen, ein Schmelztiegel verschiedenster Tanzkulturen, in dem sich der Lindy Hop zu einer besonderen Attraktion entwickelte. Er zog Prominenz und High Society ins Savoy, was ihm über Harlem hinaus Beachtung verschaffte.

Lindy Hop tanzendes Paar beim Sacramento Jazz Jubilee, USA (2006). Die Energie des Tanzes, die jazztypische Improvisation und die Offenheit für andere musikalische und tänzerische Einflüsse haben zu einem weiten Spektrum an typischen Bewegungselementen geführt, das sich bis heute weiterentwickelt und erweitert. Lange Zeit stilprägend war der sogenannte „Savoy Style“ von Whitey's Lindy Hoppers, einer Showtruppe, die ihren Stil in den 1930er- und 1940er-Jahren auf den Bühnen in den USA, Europa und Australien popularisierte. Frankie Manning war lange Zeit tänzerischer Kopf der Truppe. Er entwickelte unter anderem die ersten „Aerials“ (mit der Musik synchronisierte, nahtlos in den Tanz eingestreute Paar-Akrobatiken).

Als die populäre Musik von Swing zu R&B und den Anfängen des Rock 'n' Roll weiterging und in den USA die Anfänge einer medial gestützten Pop-Kultur entstanden, entdeckten zunehmend mehr Teenager den Tanz und adaptierten ihn an die neuen Musikstile. Dieser Form gaben vor allem die Medien und die weiße Bevölkerung die gängige Bezeichnung „Jitterbug“ (jittery = nervös). Die GIs brachten den Tanz im und nach dem 2. Weltkrieg nach Europa. Hier entwickelte sich daraus unter dem Einfluss des etwas unterschiedlichen Sounds der europäischen Tanzbands und der tänzerischen Fertigkeiten der europäischen Mädchen der Boogie-Woogie.

Seit Anfang der 80er-Jahre gewinnt Lindy Hop auch in Europa zunehmend Freunde. Im Jahre 2005 gab es in London und New York bereits eine mehrere tausend Tänzer umfassende Insider-Gruppe, aber auch in anderen Großstädten der überwiegend westlich geprägten Welt und anderswo (z. B. Peking, Tokio) trainieren Fans des Tanzes regelmäßig und veranstalten öffentliche Partys. Rund 1500 Tänzer aus der ganzen Welt pilgern jährlich für vier Wochen in das kleine schwedische Dorf Herräng: Die „Harlem Hot Shots“ (früher: Rhythm Hot Shots), eine der besten Profitanzgruppen der Stilrichtung, widmen dort seit 1982 dem authentischen afroamerikanischen Tanz (und prominent dem Lindy Hop) ein Tanzlager. Gezielt werden Zeitzeugen der 30er- bis 50er-Jahre mit aktuellen Protagonisten der Tanzform zusammengeführt.

Über die Namensgebung „Lindy Hop“ kursieren verschiedene Geschichten, die überwiegend auf den New Yorker Tänzer „Shorty George“ George Snowden verweisen. Zeitzeuge Frankie Manning stützt diese Version: Als Shorty George Snowden während eines Tanzmarathons von einem Journalisten gefragt wurde, was er da eigentlich tanze, griff der erschöpfte Shorty einfach auf die aktuelle Zeitungsschlagzeile zurück: „Lindy Hops the Atlantic“.

Eine andere Version berichtet, Lindy Hop habe ursprünglich nur „Hop“ geheißen. Der Name „Lindy“ sei erst 1927 im New Yorker Savoy Ballroom dem „Hop“ hinzugefügt worden – angeblich zum Gedenken an Lindberghs berühmten Flug über den Atlantik.

• Entstehung: 1920
• Entstehungsort: USA
• Takt: 4/4
• Geschwindigkeit: 25-60+ Takte pro Minute
• Grundschrittlänge: 8 oder 10 Schläge
• Welttanzprogramm: Nein

Typische Lieder für den Lindy Hop
Name	Interpret
At The Fatman	Charlie Shavers And The Tommy
Igloo	Don Redman
Swing Lover	Indigo Swing
Wir Tanzen weiter	Orchester Stan Brenders
Zieh die Schuh aus	Roger Cicero

Weitere Lieder, auf die man Lindy Hop (Swing) tanzen kann, finden Sie in der Tanzdatenbank .

Quellen:

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Im Jahr 1923 waren es wohl wieder einmal die schwarzen Einwohner in den USA, die als Erste zu diesen Jazzrhythmen getanzt haben. Der Tanz hat sich danach wie ein Lauffeuer um die ganze Welt verbreitet. Eigentlich ist der Charleston ja eine Broadway-Melodie aus dem Musical „Running Wild“, das so ab 1923 aufgeführt wurde. Um die Charleston-Welle weiter voranzutreiben, wurden damals auf die Cover der entsprechenden Platten einheitliche Choreografien aufgedruckt, damit jeder eine Anleitung hatte, wie man Charleston tanzen konnte. Damit war der Siegeszug quasi schon eine beschlossene Sache.

Eine Tanzbeschreibung von 1925 führt an: „Der Torso zittert, dazu die Bewegungen der Hüften, Schenkel und Hinterbacken. Auch die Hände sind aktiv, sie berühren alle Teile des Körpers wie in Ekstase. Dazu kommen die abwechselnden X- und O-Beine, damit verbunden die nach außen und innen gedrehten Knie und Füße. Der Tänzer kann seinen Rücken beugen oder gar in Hockstellung gehen.“

Der Charleston ist ein extrem schneller Tanz. Bei 50–75 Takten pro Minute ist schon etwas Übung geboten. Ein Wiener Walzer hat bis zu 60, was schon schnell ist. Gewöhnliche Tänze sind so bei 30–50 Takten pro Minute zu finden. Grundlage für diesen Tanz sind isolierte Bewegungen. Das bedeutet, dass man in der Lage ist, einzelne Körperteile, wie die Arme und Beine, getrennt voneinander zu bewegen. Rudern mit den Armen und X/O-Kombinationen mit den Beinen sind typisch für den Charleston. Mit Beginn der Weltwirtschaftskrise 1929 konnten sich viele die Abendveranstaltungen nicht mehr leisten und der Tanz verschwand langsam wieder.

Woher er kam:

(Damals schon Vergangenheitsform!)

Aber der Charleston kommt nicht von dem Gestade von Ohio, sondern von dem Harlem, dem Strom, der von den urspünglich holländischen Einwohnern von New York zu den Negern hinabgeflossen ist, die in ihren Kolonien am Gestade jeden Reiz des Lebens einschließlich schwarzer Kabaretts besitzen.
Von diesen exotischen Schlupfwinkeln ist der Charleston auf allen Bühnen Amerikas geschleudert worden, wo einige der athletischsten jungen Frauen der Welt miteinander in dem Versuch wetteifern, ihr lockiges Haar von ihren hübschen Köpfen wegzuschleudern.
Er passt — und „passt“ (Fit) ist ein gutes Wort, um es in dieser Verbindung zu gebrauchen — zur gegenwärtigen Tanzmode Amerikas. Der Bühnentanz ist zum größten Teil eine Art Gymnastik geworden. Einer der regelmäßigen „Stunts“ (Verrenkungen), die man überall sieht, wird z. B. von jungen Damen ausgeführt, welche beide Hände auf die Bühne legen und dann abwechselnd beide Beine auswerfen. Es ist eine Anstrengung, aber kein Tanzen. Solche Schwünge stehen über der gewöhnlichen Ausführung, aber es gibt Charleston-Amateure, welche zwanzig Schritte in ihrem Repertoire haben, mit denen sie die kühnsten Wettbewerbe eingehen.
Es sind alle Anstrengungen gemacht worden, den Charleston in einen Gesellschaftstanz zu verwandeln, aber es wird enden, wo er begonnen hat, im Kabarett, sofern wir nicht dahin kommen, das Tanzen einer Nacht in zehn Minuten erledigen zu wollen.

• Entstehung: ca. 1923
• Entstehungsort: USA
• Takt: 4/4
• Geschwindigkeit: 30-60 Takte pro Minute
• Grundschrittlänge: 8 Schläge entsprechen 2 Takten
• Welttanzprogramm: Nein

Typische Lieder für den Charleston
Name	Interpret
Ain’t She Sweet	Enoch Light
Charleston	Green Hill Instrumental
El Golpe (The Entertainer)	The New Orleans Banjo Band
That’s My Weakness Now	The Hot Chas
That’s A Plenty	Firehouse Five plus Two

Weitere Lieder, auf die man Charleston tanzen kann, finden Sie in der Tanzdatenbank .

Der Balboa ist ein Tanz, der aus den 1930er- und 1940er-Jahren stammt. Entstanden ist er in einem Tanzlokal auf der Halbinsel Balboa. Um in dem total überfüllten Tanzlokal noch tanzen zu können, hat man dort einen Tanz erfunden, der extrem wenig Platz braucht. Die Tänzer stehen dabei sehr eng zusammen und berühren sich fast von der Hüfte bis zur Schulter. Diese Haltung macht es sehr einfach, mit dem Körper zu führen und ermöglicht sehr schnelle Drehungen und Figuren.

Balboa ist ein Paartanz, der erstmals in den 1930er- und 1940er-Jahren in Mode war und sich auch heutzutage wieder einiger Beliebtheit erfreut; so ist er auf vielen regulären Swing- und Boogie-Camps fester Bestandteil im Programm.

Ursprünglich wurde Balboa in meist 8 Zählzeiten (8-Count) in geschlossener Tanzhaltung getanzt und war durch trickreiche Fußarbeit gekennzeichnet.

Balboa ist vor allem ideal bei voller Tanzfläche und macht Tanzen auf schnelle Musik besonders leicht, funktioniert aber auch bei langsameren Tempi. Bereichert um Drehungen, wie bei Boogie und Swing, wird Balboa zum Bal-Swing und besonders abwechslungsreich.

Balboa hat 2 Grundformen:

• Pure Balboa: Diese Version des Balboas wird sehr eng und mit viel Variation der Schritttechnik getanzt. Die Hauptschritttechniken beinhalten den single-time Balboa, double-time Balboa und triple-time Balboa.
  
• Bal-Swing: In dieser Form öffnet das Paar die sehr enge Tanzhaltung, um Drehungen und Spins zu tanzen. Nach einer Figur kommt man wieder in die enge Haltung, d. h. wieder in die Pure-Balboa-Form.

Einige der großen Balboa-Tänzer sagten oft: „We can't tell you how to dance Balboa, but we can tell you when you are not dancing Balboa.“

Die Tänzer stehen sehr eng zusammen und berühren sich fast von der Hüfte bis zur Schulter. Diese Haltung macht es sehr einfach, mit dem Körper zu führen und ermöglicht sehr schnelle Drehungen und Figuren.

• Entstehung: 1930
• Entstehungsort: USA
• Takt: 4/4
• Geschwindigkeit: 32-60+ Takte pro Minute
• Grundschrittlänge: 8 Schläge entsprechen zwei Takten
• Welttanzprogramm: Nein

Typische Lieder für den Balboa
Name	Interpret
Boogie Woogie Bugle Boy	Bette Midler
Pearly Shells	I Belli Di Waikiki
I'm Walkin	Fats Domino
Scat The Swing	The Bel Airs
Sing, Sing, Sing	Robert Kraft

Weitere Lieder, auf die man Balboa tanzen kann, finden Sie in der Tanzdatenbank .

Quellen:

• Dieser Artikel basiert auf dem Artikel: Balboa aus der freien Enzyklopädie Wikipedia und steht unter der GFDL
• Meine Tanzlehrer
• Weitere kleinere Quellen aus dem Internet